【另類系列專訪】(三):法式電子現場、線上廣播電台 —— Fauve Radio 上

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【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 上

【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 中

【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 下

若你間中想放鬆心情,但又唔想重複咁播自己歌,「想聽下 D 新野」咁話。咁呢,就要聽下小編推介以下呢個網上電台,以及電台背後嘅一段故:

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關於 FAUVE RADIO

1. Mahka HONG KONG.

位於上環太平山華里4號,是一所由法藉老闆娘 Maguelone Calmels 所創辦的 Fashion Gallery —— Mahka。直走進店內,瞥見牆身鋪滿綠草皮,透明玻璃窗後裝滿喇叭、打碟專業設備的一個 DJ Booth,些許自然光滲進房內,感覺相當舒適:這裡就是 Fauve Radio 的基地。電台剛於去年 12 月成軍一周年,並與滿兩周年的小店 Mahka 一同舉辦了周年慶祝派對。(老實說街頭時尚小店 Mahka 同樣有着一個非常有趣的背景,老闆娘的藝術涉獵相當廣泛~但為了讓大家大飽耳福,下文將先集中分享電台的故事與音樂~ 有機會的話,希望能為大家推介這所小店與它的作品。)

 

2. Booth 門外的 On Air 裝飾以及 Booth 的設備.

3. Fauve Radio 創辦人 Romain FX 852.

 

 

 

 

電台創辦人 Romain FX 雖擁有法裔血統,但成長經歷多來自美國、台灣以及香港等地,本人從未於法國生活。主修設計的他,自 16 歲起接觸 DJ 這門學問,現時除了是一名全職 DJ 外,亦把時間兼用於電台、發行、製作並整理資源分享的網上平台等等,絕對稱得上是 Music For Life 喔。與小店 MAHKA 老闆娘為好友的他,解釋電台誕生的主因,是因為朋友們昐望經營一些混合音樂、時尚、藝術的製作,經過一留討論、以及了解過當時已在營運的本地獨立音樂電台, Hong Kong Community Radio 的運作模式後,便決心創辦 Fauve Radio。

 

 

 

 

 

 

選擇以電台形式運行的主因,是因為它不涉及任何金錢考慮。對 Romain 而言,為錢銀而製作的音樂都不是真正的 “From the Heart”,他從不會要求參與現場打碟的 DJ 朋友們走什麼方向,而是希望他們能放下商業定位,保持好奇和發掘 New Music 的觸覺。他鼓勵 DJ 多想像如何與一個完全不懂音樂的人溝通,利用這短短的幾小時廣播出自己的品味,讓聽眾感受 DJ 專屬的 VIBES。

Fauve Radio 之所以叫 ” Fauve “(法文來的,所以最初唔知點解其實正常(笑)),法譯意思為野生動物,香港時常被賦與 Concrete Jungle 的稱號,但對於 Romain 來說,「電台」就是一個 Electronic Jungle,是一個充滿電子樂、電波訊號、科技網絡的大世界,所以電台的象徵圖案便取了一隻手繪的野生貓科類動物,他又把 DJ Booth 裝飾至綠草如茵,感覺相當的原野,散發着陣陣亞熱帶風情。 Romain 希望透過這個有趣的氛圍,自然而然地為聽眾轉換都市沉悶心情呢~

 

 

講左咁耐係時候聽下歌,呢段 Soundcloud 係 Romain 眾多 Edit 中的其中一段,聽到 1: 11: 00 左右,會出現一段精彩的好東西-葉德嫻 Remix,小編覺得幾正:

榮獲 2018 年度 Mixcloud 官方 Listener’s Choice, Best Online Radio Station, Asia Pacific / ME / Africa in 2018 ,無論辦公、假日任何時間都可以聽下嘅電台:

下文將會繼續為大家分享 Fauve Radio 的法式廣東 Vibes,請密切留意~ (待續)

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:

https://www.facebook.com/FauveRadio/
https://www.instagram.com/mahkaofficial/

【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 下

上回講到:影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 中

除以廠牌發表個人作品外,Jimmy 亦會為一些獨立音樂人製作音樂,並以黑膠形式發行作品。現時廠牌已製作一共 4 張黑膠大碟、十多張EP。

1. NLS 出品中 8 張黑膠的封面。

“Independent record labels have to be like a hot iron, smoothing out in his obituary on the ironing boards… A digital label only publish digital music, a record label only publish records, and each independent records is serving a niche community who can be a persona or anonymous.”

談及獨立製作,Jimmy 認為現代音樂發行生態充斥着不少矛盾。發佈免費音源以作促銷就有如 “Kill Your Bottom Line”,講到尾經營任何項目還是建基於資金,然而獨立製作永遠也沒法有所謂「足夠」的金錢花在 Artist 身上,同時也沒能賺取足夠的金錢回報他們。廿一世紀的線上平台確實為發行商提供了更多機遇與面向,幫助醞釀受眾,但到底順應這種資訊方式的群眾,是否我們樂見以及追求的?

數碼唱片發行商的矛盾在於線上發放音樂,當音源於網絡每周 7 天、每天 24 小時流通後,你認為發行商還會把實體發行認真看待嗎?音樂不應該是「等待事情發生」,行業應更警惕這些模式的轉變,到底會為音樂生態帶來多少災難。有如世上沒有 24 小時的電影院,何以我們要有 24 小時的音樂便利店?一場 band show 依賴的是會買飛入場的觀眾,而論受眾的音樂消費模式,更是要靠發行商的用心與堅持。

2. Music as your weapon of choice —— Network Equation aka Jimmy Howe.

當然舊有的發行模式亦會有它的弊端與進步的空間,但獨立音樂行業容易被商業科技角度蒙蔽,機械式的生產以致失去一個既有的流動市場。只有專注改革,才能讓生產者於生產的過程中表現真我。Jimmy 並不是在提倡停止線上音樂,但他確是被現時發行商對維護行內原則所剩餘的膽量、或因外圍因素而失去作正確選擇的能力有感失望。

今天遇見的 Jimmy,作為業內的老鬼,仍然對藝術、社會抱有一番熱誠、執著和憤慨。我們非常感謝讀者願意花時間閱讀至此,「堅持是孤獨的」一句,又有誰願意前來否定?

(本篇完)

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:

https://soundcloud.com/nlsrecord

https://www.traxsource.com/label/23969/nls

https://medium.com/@jimmyhowe/anomaly-in-visual-music-1dd97cbb9958

https://medium.com/@jimmyhowe/records-label-have-no-grammars-abdb9a9d6970

https://twitter.com/nlsrecords

https://www.instagram.com/nakednuraslovesrave/

https://www.youtube.com/channel/UCFo6nN7yNR7FrB1934ehREQ/featured

 

【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 中

上回講到:影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 上

上文推介的紀錄片 A.Visualist當中,提到 Artist 們 Sampling 的方法之一,就是走進大大小小的廢棄空間、或是山洞等自然環境內設置咪高風採音,利用環境當中的聲音創作完整的音樂。而考驗 Artist 真功夫之處,就是結合音樂與影像後的作品,能否使人一瞬置身於別個空間,同時保留對原音混製的想像和可能。

1. A. Visualist Documentary

作為視聽兼容的 VJ 與 Sound Artist,Jimmy 認為影像的剪接有如一段對話。當聲音被置放於「 音樂結構 Music Structure 」內後,它能進一步解讀影像,引領觀眾走進感官世界的中心。若論形式與表達手法,其實都是在考驗創作者的看家本領,但作品的 “Interpretation” 則完全是一種 “Free Form”,既自主又自由。

  • NLS 出品的 Space Synth Music – Common Information Model – Retape Kernel Mono (Feat. NNLR).

從與 Jimmy 的對話過程中,不難發現他對「Format 格式」一詞的執着。他認為在整理自我思緒時,必先清晰分辨出創作的主體 Subject 與客體 Object,皆因作品的張力會率先由此處跑出。按照整個概念的雛形,接着便雕琢它的「時間軸」與「定位」,輪廓逐漸成形。

 

所謂的格式,除了是指數字信號處理 Digital Signal Processing 通過無損壓縮方式,將所有 101010 壓縮為可在互聯網或數字域上共享的文件格式外,同時亦代表着「語言科技化 language of digitalization」一概念。現代社會中的感官資訊,逐漸演變成何等方式輸送至接收端,被世人所吸收與認知?通過對弦頻 String Frequencies 的理解,Jimmy 發現我們重點談論聲音中的真實性,卻往往偏向選擇工廠式的經驗法則 Factory of Rules of Thumb,而不是通過生產者的聲音設計所引起的自身體驗。

 

回到創作,如何通過作品發展出一套自己專屬的語言,以此與人溝通,亦是對「格式」一詞的另一種解讀(當然很多時候那是一種很純粹的感覺(笑))。但 Jimmy 強調,創作背後必須要有一套個人的哲學觀,才能賦予作品一副獨有的靈魂。再回到廠牌名稱「 NLS Non-Linear Sound 」一詞,正是旨在體現聲音、以至五感,能夠超越單一線性的可能。

  • 一段長 12:32 的 Electronic Ambience – NLSMixtape Part A XVI – Explicit

 持續更新,最後一篇會為大家簡述 Jimmy 對音樂圈生態的一些睇法。(待續)


撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:

https://soundcloud.com/nlsrecord

https://www.traxsource.com/label/23969/nls

https://medium.com/@jimmyhowe/how-to-produce-a-record-even-only-once-90bebec09deb

https://twitter.com/nlsrecords

https://www.instagram.com/nakednuraslovesrave/

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【另類系列專訪】(二):影像、實驗音樂、黑膠廠牌 NLS Records 創辦人 — Jimmy Howe 上

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【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 上
【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 中
【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 下

嚟到第二篇,小編因緣際遇下認識到以下呢位朋友——

關於Jimmy Howe

畢業於美國 Whitman College (Washington State) 主修 Fine Arts,從事多媒體創作超過廿五年,創作內容從油畫、繪圖、攝影、紀錄片,其中有十五年經驗為 VJ Artist(影像騎師)。除了出演視聽現場外, Jimmy 亦不忘創作個人作品、兼任實驗音樂製作人,並於 2009 年創立獨立黑膠唱片廠牌 NLS Record —— NLS = “Non-Linear Sound” 中文簡譯為「非線性的音波」,取名一方意旨聲音不止一種形式與導向,啟發自 60 年代一個美國空軍研發計劃、名為 “oN-Line System” 的革命性計算協作系統,並主理 “Ambient Abstract Sounds” ── 抽象氣氛音樂。

NLS Records Research

1. NLS Records Research

由視覺到聽覺,創作類型多元化的 Jimmy,自言接觸藝術的初期和很多人一樣,也是由 “Study the Old School” 開始,以鑽研油畫和雕塑學習美學賞析。早年任 VJ 創作個人作品、及後參與現場演出,熱衷於思考聲音、環境、時間等意識形態的他,更於十年前透過 “Road Film” 形式,走訪日本、西班牙、美國等地跟拍 7 位 VJ Artist 和 2 位 Visual Software 研發人員,藉由他們親述各自對視聽的創作觀、如何善用現代科技實踐藝術創作上的追求,表達眾人對聲音、影像與媒介的理念,以至三者之間的關係。

熟悉 Visual 的人或有聽過德國影像先驅 Alva Noto,小編數月前有幸在大館看了他的演出。雖然這段紀錄片未有他的採訪,但也少不了他的身影。製作團隊以三個月時間完成後期製作,片約長 50 分鐘。如欲了解 Visual Artist 是如何煉成的,在此推介:A. VISUALIST the documentary

 

2. 紀錄片 A. Visualist 截圖

除了為帶起討論聲音,Jimmy 希望藉紀錄片內對視聽創作的論述,改變更多人對聲音與環境的想像。

 

“Each line following an impulse and each consist of magnitude … To draw shape that generate time and reveal distance but all must begin with a limit.”

 

聲波因着脈衝,帶來各種幅度的震動,及後伴隨着時間,形成段段獨有的音源。而外在環境,則成為了影響聲音效果的另一個重要因素。那麼聲音能夠如何回應「空間 Space」和「場地 Place」呢?請繼續留意下文,小編會為大家簡單地整合 Jimmy 對聲音的理解和研究。

 

(待續)

 

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:

http://nlsrecords.net/blog/jimmy-howe-lofi-recordings/

https://medium.com/@jimmyhowe

https://en.m.wikipedia.org/wiki/NLS_(computer_system)

 

【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 下

上回講到: 另類系列專訪(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 中

嚟到最後一篇,想同池荒懸談談更多有關文學與音樂取向上嘅概念同睇法~到底是先有雞、還是先有蛋呢?有關創作先後的邏輯,池說,他的創作是先有文字、後有音樂。

準備每段演出前,首先考慮手上的詩是否適合做演出。留意詩的格式、分段,去考慮讀詩的節奏以及情緒上的變化,再進一步建構聲音。對於裝備、樂器的選擇,亦要看自己對詩的詮釋,希望營造出哪種氛圍。最後就是處理聲音當中的細節,是用 Sampling?還是 Synth 更合適?會出現 Melodic 的音樂嗎?作品的輪廓隨着以上的考慮愈見愈明。

1. 香港文學夏令營

怎樣的詩對他來說少份再創作的吸引力?一些句子冗長、文筆偏散文類,他則不會採用。他認為,除非出發點就是希望聽眾專心於讀詩,否則音樂在這裏的角色很容易失焦,只能稱上配樂、甚至是「有和沒有都可以」(池:播CD都得喇(笑))。對他來說,看待這類形式的現場演出,文字和聲音表現兩者間的比重應該盡量相等。聽眾需要清晰地聽到詩的內容,詩意又可以透過音樂領會或啟發。因此,如何不令任何一方淪為陪襯,就是創作最好玩的地方了。

那麼已有的文字與聲音的再創作,會否出現過於直接、內容重疊的可能?池道:聲音的意象又好比文學的意象。池以《垃圾的煙花》為例,作者於詩中對垃圾的意象,和他再基於這個意象,進一步對聲音想像和扭變,例如編排一種層遞式的聯想。其實都係要靠自己判斷(笑)簡單來說,首詩寫有關大海,那麼聽覺上,有直接出現海聲的需要嗎,或海浪聲又有沒有轉化出原文沒有的新意?這些都是進入「自行判斷」範圍了~

2. 與曹疏影和黑鬼排練,攝於2018

對於理想中的One Man Band裝備,不同時期的池荒懸都有不一樣的追求。以往他的創作偏向 Noise 類,而現階段的他想多嘗試音量較靜、不容易被旋律主導氣氛的表達方式。考慮裝備上,偏好能夠一人操作的樂器就當然了,亦不能是一些控制上過於忙碌的,而且所有要靠口,如口琴,也排除在外(因為他同時需要讀詩)。他亦會考慮自己能否駕馭樂器自身的角色。他指每個樂器都可以有角色設定或性格,特別是 Acoustic 類,個性鮮明,使用恰當可加深作品的氣氛和意象。而最好的情況是,一個樂器能夠配合幾種詩的風格,夠曬 flexible(同慳返好多錢啊啊啊)。

3. 與tl;ld合作

喜歡 Micro Sound 的他已經有一部 Teenage Engineering Office (PO24)  在手,池曾駁過落 Korg Kaoss Pad (圖3) 無調性的Office加上 Effect 同 Controller 來玩 。但對他來說,有調性的例如 Arcade 就唔太啱玩。以現場表演來計,唔夠熟習有調性的東西即興上來顯得諸多限制,要 Sync 所有 PO 來做 Pattern/Arrangement,對他而言又不完全算得上即興。加上界面來說, PO 系列偏精簡,無 Display 的話就更加需要先熟習它的運作。

4. Korg Kaoss Pad 3.0

最近有添置新裝備嗎?當然有的(自言是購物狂 ),介紹返先,來自印度的樂器 Shruti Box(圖4, 5, 6) —— 一款簡單的手動泵簧片,音色偏 Drone 類可製造音牆,會發出均衡的 Chord 聲,聲音慢得來和環境聲相襯,帶有少許宗教味,但用來建構 Moody Ambience 的話亦很合適(印度人講故仔都會用)。呢隻黎講可以加 Pedal (池: 都要千幾蚊啊!!)用腳踩,其他原理亦同風琴一樣。新裝備其實唔止一樣,不過本文就講住咁多先喇,想知係乜,有緣的話大家可以去睇 Live (笑)~

5. Shruti Box + 一個人

6. Shruti Box

7. Shruti Box

 

 

 

 

 

 

 

 

最後感謝池荒懸先生願意花時間同小編們對談~短短三個鐘,聽左好多關於幾代人對文字或詩視野上的轉變。你話學到啲咩?就係!!創作,最忌比社會環境同受眾局限自己嘅視野啊(偉論嚟快啲袋入袋先)。本篇完。

 

附上一張 池荒懸 Ten Years Challenge !!(唔需要對比因為無點變過LOL)

池荒懸。香港詩人。著有詩集《海灘像停擺的鐘一樣寧靜》及《連花開的聲音都沒有》。作品入選《港澳台八十後詩選》、《衛生紙詩選》、《香港新詩80後二十二家》、《文學好自然.來寫便是》、《書在,人在——在緊緻的密縫中閱讀》、《黃詩帶》等選集。《聲韻詩刊》及石磬文化社長。香港文學生活館理事會成員。香港十八區巡迴詩會核心成員。聲韻詩歌生活節發起人。Opensea Studio唯一成員。

一段由池荒懸以PO20 Arcade, PO 24 Office 製作的 Live Sample:

字花:光砌的門——悼曼德拉及其他 池荒懸

http://zihua.org.hk/magazine/issue_002/article/door_build_by_the_lights/

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND,Kui@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:https://www.musicinthemoment.com/shruti-box-store

【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 中

上回講到:另類系列專訪(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 上

對於一人同時兼顧讀詩和現場音樂,Minimize 現場的演出過程就成為了池的首要考慮。首場用了Ableton Live加一部 Launch Pad,第二場重整了裝備,只選用一部 Novation Circuit(圖1) 。現場配樂上除了Sample Looping 和 Melodic Improvisation,池亦會通過這 Groove Box 以 Overdub 方式建立更厚的氣氛,又更改了詩句的順序來建立段落間的情緒起伏。

1. Novation Circuit

熟習了 Circuit 後,池又回到 Ableton 的懷抱當中。當時 Ableton 推出 Push 1.0 —— 一部 Ableton 自家廠牌的MIDI Controller,介面與軟件相近,專為現場表演者而設,只需集中於硬件使用。現時 Ableton Live (軟件) 也出到 10.0.幾版時,硬件最高也只有2.0代(聽說 2019年或會推出 3.0)。池以 Push 演出了一首寫自詩人陳滅的作品《垃圾的煙花》,亦是至今他最為滿意的一場演出。

2. Ableton Push 1.0

由於只能一人控制所有效果,於是沒有大量使用 Track 。 簡單的 Controller,配合 Ableton 的 Sample 和 Synth 功能,對同時需要讀詩的池來說已相當夠用。那麼演出對於當時的觀眾會否太過新鮮呢?池相信若自己的演出是放在音樂界,並沒有那麽大看頭,但由於他在文學圈做這件事,把音樂與文學結合,就為詩增加了一種演繹方式。他更笑言,早在文壇前輩也斯的年代,跨界創作也可說是「普遍」,不知何以買少見少,所以他從不認為自己的創作新穎,而可能是演出者與受眾兩方都在年月間改變了不少。

3. 陳智德(1969年-),筆名陳滅,出生於香港,詩人、評論人。

 

是甚麼驅使他堅持這種演繹方式?池認為中文字除了平仄韻律以外,文學本身亦有專屬的音樂性,其有別於音樂或聲音當中所帶出的那種,但兩者絕對有關聯(因為始終都是聲音嘛(笑))。何謂文學的音樂性?簡單來說也是不同讀法而成的效果,不同人演釋同一篇詩已千變萬化,詩的基本節奏、停頓、腔調、語言、感情等等(例如你以哭腔讀詩,或用普通話讀,四聲都已好唔同)。這種聲音的效果就是基於文字,而音樂或純粹聲音卻又往往可以配合或衝擊文字的演繹,但他笑言他是實踐派的,理論的東西並非他主要的考慮,還是直接憑感覺和效果來判斷,而後才有評論的空間

他希望能以個人創作嘗試把兩者連繫,把文學轉化成演出。對他而言不需過份追求製作上的高低,或是音樂上的創新。他以 Leonard Cohen 為例,他認為 Cohen 的歌詞甚至比他的音樂更為重要, 又指到許多歌詞的文學性都很高,歌詞中也流露詩意,文字(歌詞)、音樂和詩意並置,難以獨立區分之間的界線令他更開放地思考文字與聲音之間的關係。

 

 

 

題外話,這裏分享一段由港台出品、改編自也斯作品,長20分鐘的短片。論故事、鏡頭、剪接上現在回看還是相當有趣(返緊工最好唔好睇啊)。

(待續)

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND, Kui@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

資料來源:Wiki、YouTube

【另類系列專訪】(一):結合詩與音樂的One Man Band — 池荒懸 上

Team Kicksound 在這裡要先祝讀者們新年快樂!19年Kicksound 決心重開人物專訪系列(其實係一直太忙未能落筆……)不過,今次Line Up有啲特別,想帶大家聽聽幾位本地另類音樂玩家嘅故事。第一位專訪有本地詩人池荒懸,究竟詩同音樂可以點玩?請閱  >>>

關於池荒懸

英國留學時期主修商科,週末到一些海外華人學校內義教中文,繼而開始寫詩至今。從閱讀朦朧詩、觀察台灣現代主義文學,到模仿其他詩作,過程中建立起個人的詩作技巧,回流後出版了第一本個人詩集《連花開的聲音都沒有》(圖1),以鄉愁為題以及一些形式主導的作品結集而成。兩年後推出第二本詩集《海灘像停擺的鐘一樣寧靜 》(圖2),則發展出比較內省的文字和個人風格。圖3、4 為兩位池於訪問中提及的詩人前輩。

1. 詩集《連花開的聲音都沒有》封面

2. 詩集《海灘像停擺的鐘一樣寧靜 》封面

3. 楊煉(1955-),祖籍山東,中國朦朧詩人。

4. 北島(1949-),祖籍浙江湖州,朦朧詩人,先後於國際獲多項文學獎,現為香港中文大學中文系教授。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

小時候學習中式樂器二胡,池荒懸到近二十歲時才買了第一部電子音樂裝備 YAMAHA 的 CSX1(圖5)—— CS1X 是 YAMAHA 於1996年推出首款用於電子和舞蹈音樂的sample-based synthesizer。它是一個模擬和可控的電音合成器,配備合成Bass、Keyboard、Vocal、Leads、Sequences、Drums,所有控件和參數都是實時和 MIDI 可控的。以當時的技術來說,一部可以提供即時調整功能、30種 Pattern、並帶有召回數據和場景記憶設定的合成器,經已足夠用於不同音樂類型的現場表演,另聞英國 Jazz-Funk 型佬 Jamiraquai、英國另類電子兄弟 Somatic Responses、傳奇大咖 David Bowie 都有用佢。

5. YAMAHA CSX1

回想當時還是 Hardware 主導的年代(市場還未有多少 Software 和 Plug In 可用),加上 Steve Jobs 仍未回歸蘋果,即是說全世界的界面設計歷史仍未被改寫,連拿著用者手冊狂煲用法都幫不上忙時,自學電子音樂可說是很不容易。直到後期 Ableton 的普及,才開始接觸音樂的 Programming、玩Sampling、VST,整下Effects,慢慢嘗試為自己寫的詩做配樂編曲,踏上了這條慢性燒錢之旅。

No photo description available.

6. 香港十八區巡迴詩會第十四場海報(現已停辦)

各種藝術圈都有其作品展示和交流的方式,「十八區巡迴詩會」則是詩愛好者的公開聚會。活動大概是於十八區內各選一個地方,以固定班底和邀請嘉賓形式,於每區辦一場讀詩分享會。拒絕每場以同一形式讀詩,又不想以二胡的獨特性格局限了詩的氛圍,池開始思考有關詩與電子樂現場的可能。在柴灣場次中,他首次嘗試以電子音樂配詩,預先把sample和聲效等編排進Ableton Live,然後以Novation Launch Pad即興演出,簡單地玩了首次個人現場。

7. 首次現場

(待續)

撰文:JJ@KICKSOUND

訪問:JJ@KICKSOUND, Kui@KICKSOUND

校對:Kui@KICKSOUND

向世界出發的錄音室新貴-Matthew Sim沈彥恆

無須走到亞魯亞圖,KICKSOUND今次向「世界」出發來到了馬鞍山,我們要訪問的主角Matthew Sim短暫回港,正在馬鞍山的工作室裡面埋首混音和調試設備。為何用「世界」來形容Matthew?難道他很「世界仔」?哈哈,非也,只是想帶出這位浸過「鹹水」的錄音室新貴具有不錯的世界視野,他長期在紐約的錄音室工作,接觸美國頂尖的音樂人,又和歐洲喇叭廠牌合作,同時又不乏香港和內地的工作機會,可謂無視地域限制,世界通行。

關於Matthew Sim

出生於香港,Matthew Sim 沈彥恆是位國際知名的混音師、音樂監製、設計師及顧問。他曾為SONY, RCA及DEF JAM/ISLAND RECORD等各大唱片公司旗下音樂人混音及錄音。沈彥恆目前在紐約最有名的GERMANO STUDIO擔任駐場混音師,為世界各地的藝人錄音和混音。通過跟很多不同背景、文化的音樂人合作以及他對音樂的造詣和理解,使他工作範圍包括所有類型的音樂。

http://www.mixbymattsim.com/

 

 

在香港出生的Matthew,他進入音樂製作行業的故事可能和不少朋友相似:中學時期對音樂有著濃厚興趣,在香港完成大學課程後前往美國Berklee音樂學院繼續升學,其後放棄了原本結他演奏專業改攻錄音工程。然而又與大部分人不同的是,在美國畢業後的Matthew並沒有選擇回港發展,他反而毅然前往紐約這個陌生的國際都會找尋機會。

 

M:Matthew

K:KICKSOUND

 

K:音樂製作人的角色現在變得模糊,你也是「多瓣數」的製作人,音樂、混音、監製都有參與,你覺得當中是什麼原因造成這個現象?

M:現在無論是美國或者香港的音樂市場都有這個趨勢,唱片公司的製作預算比以往減少了,於是灌錄真樂器的機會也會減少,因為要節省成本。對音樂人演奏技巧的要求也相應減低了,除非是錄jazz、blues等類型,但主流已經不在這裡。反而如果你懂得基本樂理、和弦,可能已足夠編排一首音樂了。加上如果你有技術底子,就更有利於挑選合適的「聲底」和處理手法。於是錄音/混音師和監製的角色會產生融合,引致現在很多人形容自己是 “Engieering Producer”(技術監製),或者是監製自己動手處理錄音和混音。

 

於Berklee畢業後,Matthew跟隨他的老師前往紐約工作。在一間叫Germano Studio的錄音室裡,他體驗了兩個禮拜美國專業錄音室工作的景況。這個短期工作完結後,Matthew輾轉在紐約流浪了好幾個月。由於他不是美國人,找工作很困難。就在近乎放棄的狀態下,某日他收到了Germano Studio老闆的來電:「你是否仍在紐約?我們需要人手!」

 

K:離開校園到了職場應該是另外一番體會吧,而且是在美國,有否遇上什麼難處?種族歧視問題嚴重嗎?

M:當然啦,在學校的時候,太多好設備任你選用。現實工作裡,大部分的時間你手上只有不太好的器材去解決一大堆問題。學校裡學到的技巧可能比較過時,但基本概念有助我更快掌握新的知識。但其實在錄音室的工作,重點大都不在錄音技術上,照顧客人,安排他們的三餐飲食,他們是否感覺舒服,對燈光的要求等等瑣碎項目才是關鍵。錄音時,每個人的錄音喜好都有所不同,例如用什麼Mic,習慣的設定都要記得一清二楚。

歧視的問題一定有,文化差異太大,特別是對著黑人,他們很多都不是說正宗英語,很多的俚語,而且說得很快。我最初聽不懂的時候,感覺很尷尬很氣餒,以為自己的英文不夠好。後來和白人同事談起這件事,才發現原來連他們都聽不懂!不僅是種族原因,每個人來自的州份不同,大家都有自己的口音,的確不是每個人都能完全明白對方的英文。

要克服這些困難,視乎你能否得到他們的信任,讓他們相信你可以勝任這裡的工作。我的體會是他們很樂意讓我嘗試,有什麼做得不足的地方他們會毫不客氣地告訴我。由低做起的好處是你有足夠時間和客人熟絡,讓客人也知道你是專業的話,他們也很樂意和你合作。其實是很「人夾人」的,態度很重要,一定要友善!

 

被Germano Studio正式錄用後,Matthew就由低做起,清潔、打雜工作都是日常公事。他沒有埋怨,反而悄悄觀察整個錄音室的營運:如何和唱片公司應對,怎樣服侍客人,有什麼應該做,什麼應該要拒絕,以致收錢的方法。和經常來錄音的客人熟絡後,Matthew把握了不少「埋檯」的機會,客人會邀請他一同聆聽,而老闆也不介意讓他負責更重要的工作。

大概有一年的時間,由做助理的工作到成為主力的機會來了,一個混音師需要缺席,而Matthew正好一直跟著相關的工作,老闆就很自然就讓他補上。而其後他的表現亦獲得更多賞識,這次後Matthew便成為“Staff Engineer”,在錄音室裡處理更多錄音、混音。

 

K:在香港似乎做現場(Live Sound) 會較做錄音室易「搵食」,美國的情況又是如何?

M:其實我也算是做現場出身,但在美國這個市場情況不太好。做現場的一大出路就是「走tour」,即跟著製作公司和大明星巡迴演出,辛苦的粗重體力工作當然不會少,更慘的是收入不穩定,跟勞工法例的薪金調整也不多,可說是沒什麼前景可言。就算有幸成為前台調音(FOH),或者台面監聽調音師收入也是不穩定,基本上沒有一個「市價」可言。要不然就做中型的演出場館駐場調音,容納200-500人的場地在紐約有很多,但設備方面我見過不少非常糟糕,有些系統設定幾乎是亂來的。這個工作也以時薪計算,而且偏低。

錄音室的前途會比較好,開始的時候會辛苦點,薪金也是很少,也要兼顧很多打雜的工作,但至少不用太多體力勞動。一旦你開始進入製作的工作,唱片推出市場後你開始有自己的”Credit”,工作機會增加的話,收入自然會增加。

 

K:可以透露在紐約做混音的市價是多少嗎?

M:分別可以很大,其實也要看錄音室老闆會否為你爭取,因為唱片公司是有足夠資金的。一般來說最當紅的混音師做一首歌大概收5000-15000美金,他們屬於 “A List”的價錢,而 “B List” 以上,基本都收1500-3000美金一首歌。以我所知,最紅的那些混音師一年可做400首歌,他們還有唱片的售後分紅,因為每賣一張唱片就有某個成數的分紅給監製,而監製是可以決定分配多少給混音師。

 

喜愛音響器材的Matthew除了錄音工作外,也常常為器材進行評測,他本身亦獲得不少器材廠商青睞,獲邀成為代言人,例如Antelope Audio, APS等。其中APS的“Aeon”,產自波蘭的監聽音箱就是他引入到Germano Studio。出於對這個產品的喜愛,他和同事們一起調試其中的設定後更主動和廠房溝通,提出音箱可優化的方案,於是就有了後來的APS Aeon 2-Germano Studio 面世。

就在訪問之前不久,Matthew參與了香港結他手Jason Kui最新的大碟灌錄。曾經為著名金屬樂隊Dream Theatre錄音的Matthew非常熟悉其中的錄音細節,這也是Jason Kui找他合作的一大原因。由於是懂得中文的美國錄音師,也有不少香港本地甚至中國內地的製作單位都有找他,例如歌手葉巧琳的作品《能見度》就是由Matthew負責混音,新近冒起的內地女Rapper萬妮達的音樂等也是他最近忙於應付的工作。

 

K:有想過回流香港發展嗎?

M:其實傾向「兩邊走」,始終香港的市場不是太大, 在Germano的工作時間也很有彈性,加上網絡方便,香港或者大陸的客很容易找到我,session也可以遙距做。而留在紐約算是有多點「地理優勢」,因為很多人都認為那裏的製作水準會高一點,但實情並不是這樣的,只是一個心理因素。音樂製作的話,其實哪裏都可以做得好。

 

Matthew有份參與的Jason Kui大碟:Absence of Words

K:對這個「優勢」可以再解讀多點嗎?

M:實際的優勢其一是器材上,以母帶處理(Mastering)為例,我覺得美國的確有很多工作室擁有大量頂級的器材,所謂「頂級」,就是什麼都不需要調節,純粹讓信號經過這些處理器,聲音也會得以提升。加上美國地方大,Mastering正需要大地方,較大的空間方便做聲學處理(Acoustic Treatment),房間的聲響就會比較準確。另外就是經驗上的優勢,美國錄音室做的種類肯定會比較廣泛,例如hip-hop等,他們製作這些音樂的經驗的確比較豐富,不像香港局限在某幾類風格。

 

立足美國,Matthew的錄音室事業決意向世界發展。作為一個香港年青人,常被寄語要往其他地方發展。Matthew做到了,只是方向並非向北,而是朝著流行音樂的繁盛地走去,與國際級的音樂人共事。講起香港和美國音樂製作生態的比較,Matthew自有一番體會:

「我覺得我們只是不夠自信,技巧上大家不會相差太遠,很多錄音製作的資訊網上很容易學到。而實際的差別與經驗有關,香港無論是個人還是樂隊的曲風都比較單一。我們需要聽多一點外國的音樂,而做音樂的,也不要只看著香港或中國市場,要想像全世界都是你潛在的客戶,這樣就需要你熟悉所有的音樂種類。」

「所以眼界要闊一點,思考也一樣。世界很大,足以養活所有我們這些以做音樂為生的人,我是這樣相信的。」

Matthew 臨時工作室使用中的器材:YAMAHA NS10, APS Aeon II, Antelope ZenTour Interface

 

APS Aeon2 一按即買:https://www.kicksoundstore.com/products/aps-aeon-ii-active-studio-monitor-pair

文:Kenji

圖:Matthew Sim Facebook/網絡圖片/KICKSOUND

喝一口聲音麵豉湯-專訪音響租賃公司Miso Tech

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Miso Tech 兩位創辦人:阿蘇(左)和阿康(右)

 

日文 “Miso shiru”是「麵豉湯」的意思可能很多人都知,然而若非得到Miso Tech兩位創辦人--阿蘇和阿康在這個專訪的尾聲親自證實,有誰想到這間公司的名字原來就是取自「麵豉湯」? 一般坊間的音響租賃服務,行內俗稱的 “Rental公司”往往都陽剛味十足,可能因搭建大型音響系統少不免大量「粗活」,而美味的「麵豉湯」似乎打破了這個刻板的形象。亦正如Miso Tech就是這樣一間特別的Rental公司,擁有一流的器材,能夠調製出「美味」的聲效,盛載著對技術的熱枕和濃厚的人情味…

 

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Miso Tech Logo

 

關於Miso Tech

成立於1997年,紮根本地的一間專業音響器材租賃公司,以“Great sound,Great happiness“為公司的服務宗旨,20年間為無數大大小小演出提供專業音響系統。最近參與的製作包括西九文化區的「本地薑wow and flutter」,樂隊觸執毛的「樹窿計劃」,以及剛完成的何韻詩2016演唱會。除了提供器材及現場技術支援,亦強調與客戶有最良性的互動和溝通,以達至最佳的演出效果。

公司網址:http://www.misotech.com/


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Miso的故事,要由兩位想自主器材的音響人講起

20年前,阿蘇和阿康本來在一間琴行裡面負責音響工程,當時他們已經主力做樂隊表演,經常去高山劇場開show,「初初入行已經係 “Dark Entry”(八九十年代最具規模的本地獨立樂隊音樂會)嘅尾聲。果陣認識左唔少樂隊朋友,對做呢啲show好有興趣」阿蘇說。笑稱年輕時候也是玩樂隊出身,阿康強調做音響一定要對音樂或器材本身很有興趣:「唔中意音樂好難做咁耐,鍾意呢樣嘢先有心機做,開show先會做得開心!」。

 

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Miso Tech 位於石門的倉庫一覽

 

既然那時已經從事自己感興趣的工作,為何又會選擇離開再另組一間“Miso Tech”呢? 「每次做一個show,我地都會諗下次點樣做得好啲。但當時可以用嘅器材好侷限,係琴行做就一定要用返琴行自己代理嘅牌子產品,無得揀!而且係公司嘅發展都係好有限」阿蘇說,「後來我諗如果我地自己出嚟搞,咁我地就可以揀選自己覺得合適嘅器材,於是就著手嘗試。」

 

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Miso Tech 位於石門的倉庫一覽

 

一開始他們只是承包一些小型商業活動的現場擴音,以及到不同學校為樂隊表演調音。初初成立的Miso Tech,擁有的器材就只僅僅足夠應付這些所需。為了業務擴展,二人積極發掘和嘗試市面上的器材產品,「鍾意試新野,例如某隻牌子外國多人用,就好想去吸納返黎希望對做show有用」,阿蘇說。

 

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SSL L500Plus (圖片來源:Miso Tech Facebook)

 

Miso Tech發展至今,當然已經不愁器材的問題。兩位老闆亦充分自主了想使用的「架生」,近年更購置了SSL的L500 Plus調音檯,價值上百萬,應該少有本地公司會作這個投資。提起這個行內人會豔羨的產品,二人反而表現平靜,阿康還自嘲說:「都係我地句slogan咁講:Great Sound Great Happiness,俾自己開心下;你話返唔返到本呢?我就覺得唔得喇」,「又或者咁講,做得好件事,唔一定要好靚嘅器材,你手上有啲咩你只要將佢發揮得最好呢,你就做到好件事,當然我地買好嘅器材,因為佢令件事更加好!」他補充說。

 

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關於購買器材這個話題繼續發酵,阿蘇和我們大談箇中的心得。他強調揀選新廠牌首看該產品的可持續性:「以console(調音檯)為例,我地都見過未出過digital console嘅廠,出咗一檯半檯已經 “discon”(停產) 無再出啦,發展未必係咁持續。如果當初我揀咗之後,到宜家未必有新嘅機去接呢件事啦,所以要留意埋牌子發展嘅方向去揀!」

 

「另外要睇個潮流點發展,但唔好太盲目咁跟。例如呢十年出開全部都係“linearray”喇叭,咁你係咪用曬“linearray”?“Point source”都好好用喔,咁你使唔使要keep返對?我地一向買器材嘅方向都係因應唔同嘅event,唔同嘅concert,去諗下有無器材適合果樣嘢先會買。唔係sales話勁我就買,買咗都未必啱用啦!」

 

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Miso Tech set檯中(圖片來源:Miso Tech Facebook)

從不“Hea”做,習慣為客諗多一步

如果純用「做生意」的角度出發,既然有不少熟客,業務增長已經穩定了,不是應該開始減省成本嗎?Miso Tech似乎在逆其道而行,除了不斷投資器材,面對不少對聲音質素沒有要求的客人或公司,他們也不認為可以「慳水慳力」:「的確有啲人未必對音質好有要求,只要有mic有聲就ok。不過咁啱我地撞到大部分嘅客人搞show要求都比較高少少,造成我地做慣咗…」阿蘇笑稱,「係啊,我地做慣咗喇,變咗就算個客真係無乜要求,我地對自己都有要求!」阿康接著解釋,「有時我地報價提議咗一set器材,到睇完個場發現可以做得好啲,通常我地就主動攞多啲嘢去」,「如果有空檔嘅話,我地都會諗盡方法做好啲,好少『求其』做。『求其』咁做對自己都唔好啦,做得都會唔開心!」

 

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(圖片來源:Miso Tech Facebook)

 

與獨立樂圈一同成長,慨嘆香港限制處處

阿蘇口中對聲音要求「高少少」的客人,想必就是一眾信賴他們的獨立樂隊。Miso Tech 20年來在背後為大小樂隊演出的聲效操心,面對這個獨立樂圈近年急速發展,二人都甚有感觸,「宜家一定好過以前,宜家蓬勃好多!我地以前開始做果陣,真係來來去去果十隊八隊band係度玩,好多都仲係玩緊cover。宜家基本上無人會玩cover咁滯,全部都係自己出唱片,玩原創,而且好多唔同類型。以前都係得幾種,例如英倫、Metal。宜家多咗好款,實驗,電子乜都有!真係百花齊放!」阿康說。

 

「可惜俾年輕人表演嘅場地依然唔夠」阿蘇話,「都係一個土地供應問題啦,雖然佢地好識變通周圍搵場地表演,但總括嚟講場地數目都係算少…」。

 

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「政府一定要做嘢啦!香港已經無live house,剩返Hidden Agenda(位於觀塘的一間live house)都俾人逼遷,人地日本台灣live house文化咁犀利,先可以孕育到啲band同音樂人,就連我地做呢行『台燈聲』(舞台技術、燈光、音響)嘅,都係要靠呢啲live house磨劍啊,要整多啲場地俾人玩,成個行業先可以有個好嘅發展,唔係淨係得紅館,有幾多個人可以係紅館on panel呢?」

 

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(圖片來源:Miso Tech Facebook)

 

就算是現有的場地,二人也覺得「做好聲」亦絕非易事,「場地好多嘢配合唔到,例如觀眾席第一行同舞台之間有時連“front fill”都擺唔到,坐最前啲聲梗係由頭殼頂嚟啦;山頂位我地都想顧到個coverage,但啲喇叭rig高啲都唔得,有其他嘢頂住咗無辦法!觀眾唔知,通常就投訴『坐第一行好衰聲啊,山頂位好衰聲啊』即係好多限制佢地唔會知,當然亦有好多人根本唔理個聲」阿康說。

 

阿蘇笑著和應:「不過都慣架啦,咁多年呢,其實我地『唔鬧就當讚咗』,即係好多時候似係自娛多啲。有時mix個show覺得自己做得幾好,咪讚下自己囉,好彩遇到識聽嘅同行,咪大家又互相讚下咁囉,可能根本全場得我地幾個留意到。」

 

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“wow and flutter” setup中(圖片來源:Miso Tech Facebook)

 

參與過這麼多的現場製作,有沒有哪一場表演是印象最深刻的呢?

「近期嘅當然係本地薑“wow and flutter” 啦,第一次公司做曬三個舞台,動用咁多人力物力!原來真係做過先知咁辛苦啊,好吃力先應付到。不過就係一個好好嘅經驗,學到嘢,知道咗呢種規模嘅festifal應該要點搞!」阿康說。

 

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「樹窿計劃」現場(圖片來源:Miso Tech Facebook)

 

「再近期啲咪觸執毛囉」阿蘇說,「果個真係做得好開心,因為我地個製作參與度好高!」,「佢地淨係專注做音樂,音響都任由我地做,好信任我地。」阿康說。

 

「佢地就係唔想好似做一般concert咁,於是當晚我地就試咗好多唔同平時嘅做法, 好開心,幾唔錯!有時就係要放手俾大家任意去做一啲野,反而出來嘅效果更好!」,阿蘇說。

 

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Miso Tech 位於石門的辦公室一覽

無為而治的公司文化,員工眼中的好老闆

訪問其實是在Miso Tech位於石門的辦公室裡進行。收納非常整潔的倉庫旁邊就是這個開放式的辦公室,每個員工都有自己的座位;兩位老闆沒有單獨的房間,就和大家坐在一起。檯面上擺滿各人的喜好和收藏,整個空間就像一個大家庭,有各式漫畫雜誌,模型公仔,CD,結他和單車。雖然訪問當日其他員工都出隊去做演唱會了,但想必這裡平時也是充滿熱鬧快樂的氛圍。

 

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Miso Tech 位於石門的辦公室一覽

 

由當初只得二人「一腳踢」慢慢發展成為一個小團隊,Miso Tech不但建立了公司專業和友善的形象,兩位「好老闆」的形象也深入民心。笑稱沒有刻意建立「企業文化」,阿康這樣形容:「其實我地似係一間『士多仔』,你見我地都落手落腳做,我地一齊做,好開心,最緊要融洽。我地無乜階級觀念,各人負責一樣嘢,大家team work!我地miso好強調呢樣嘢」。

 

「可能出面啲公司,員工請假出勤有好多規矩要守。我地雖然唔係完全無規矩,但我地有個自由度,令佢地覺得只要同老闆講聲,放假都好容易安排。我覺得真係無乜所謂,有時可能做多咗鐘,跟住咪放返長啲,唔需咁多規矩同計到咁盡。只要大家舒服!平時夜晚收夜咗,唔通第二朝照返9點?我都明白個難處,大家互相遷就下,最緊要做嘢嘅時候搞得掂!其實佢地so far都好盡力㗎」。

 

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意義大於規模,回歸「開show」的初心

講起最想要公司達到的目標是什麼,二人笑著異口同聲地說:「我地嘅目標好早達到咗喇,宜家係做多咗!」

 

「最初開檔淨係諗住要做到個高山嘅show,一個band Show就ok喇」康說,「當做到之後就諗『可以做到大啲嘅場就好喇』;到後來有機會做紅館,先發現其實我地好似唔係為呢樣嘢喔。講到底就算係一個好細嘅show,如果做得好,已經好開心同滿足。呢個先係我地嘅目標!」

 

「可以話係意義比規模更重要」,阿蘇這樣總結。

 

 

文:Kenji

攝影:Kenji

資料及圖片來源:Miso Tech Facebook, Miso Tech webpage

 

【AVON Remastered】重塑香港錄音殿堂-“AVON”雅旺錄音室專訪

大家對“Remaster”這個字可能都不感陌生,很多經典的唱片、舊錄音會經由錄音室重新處理後推出市面,這個過程就是“Remaster”。經Remaster的歌曲保存了原本的精髓,同時亦以現代音色及響度重生,甚至再次流行起來。今次KICKSOUND採訪的對象不是一個人物,而是一個本身也剛好完成了“Remaster”過程的地方,亦是一個經常為音樂做Remaster的地方--這裡是“AVON”雅旺錄音室。

 

關於AVON:

AVON Recording Studios 雅旺錄音室建於83年初,由國際知名音響師 Tom Hidley 設計,為全港最具規模及歷史地位的專業錄音室。在八、九十年代香港唱片業輝煌時代盛產不少天王巨星的錄音製作,時至今日仍然是樂壇最知名的錄音場地。

avon01重回熟悉的地址,來到AVON的大門:顯然招牌及燈光已煥然一新。行政的Helen小姐為我們帶路並解釋新AVON的改動。其實早在上年已聽聞AVON易手,新的投資者為這個地方重新裝修及優化錄音器材,室內佈局亦作了調整。今次到訪一看才發現,與其說是裝修,不如說是”touch up”(潤色),因為本來充滿歐洲古典風格的室內設計並沒有改動,走廊的精心佈置及茶水間的車廂卡位設計令整體更顯美輪美奐,「我地盡量都想保留返原本個樣」Helen說。

 

主走廊位置

主走廊位置

錄音室門外的燈飾

錄音室門外的燈飾

茶水間變身成車廂卡位,可容納更多人

茶水間變身成車廂卡位,可容納更多人

 

香港錄音殿堂,製作出一個時代的聲音

我們首站來到Studio A,是AVON最大的控制室,連接著錄音室“Live Room”。而這裡最搶眼的當然是Neve 8068混音檯,Orignal Tannoy監聽音箱以及數之不盡的經典Analog outboard處理器, 而且以膽機為主,音色取向較warm和大粒。其中不乏罕有的收藏,例如Fairchild 670。

Studio A 器材Hihglight:Neve8068 混音檯,Original Tannoy監聽,NS10監聽,TEC監聽

Studio A 器材Hihglight:Neve8068 混音檯,Original Tannoy監聽,NS10監聽,TEC監聽

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Fairchild 670 ,無疑是世上最貴的Stereo Compressor(二手價近3萬英鎊),聽講是20個真空管(膽)的設計,高音圓潤,吸引許多製作人特意前來使用,說是鎮店之寶亦不為過。(相片源自AVON Facebook)

家私的選取都襯托主題

家私的選取都襯托主題

兩位資深錄音師 左:阿Ming,右:Ako

兩位資深錄音師 左:阿Ming,右:Ako

在這裡我們與Ako及阿Ming兩位資深錄音師暢談在AVON工作的心路歷程,96年因編曲人弟弟的引薦下入行,Ako說當年覺得「recording做balance好過癮」,而踏入在AVON第二十個年頭,Ako見證了這裡的變遷,同時也是唱片業的變遷,「最多booking嘅時候係八九十年代,錄音室經常full,加上後來嘉利大廈大火,寶麗金嘅所有錄音都過曬嚟做」,憶起那個黃金時代,錄音室的貴客粒粒巨星:「梅艷芳,張國榮,葉倩文」,而合作過的製作人中,讓他印象最深刻的要算鐘定一和Chris Babida(鮑比達),「佢地工作認真得好緊要,你要好集中精神去做」。

 

Studer A800 MKIII及J37等多部帶機經已修復準備投入服務

Studer A800 MKIII及J37等多部帶機經已修復準備投入服務

 

樂壇的縮影,時代的轉變下走下坡

穿過兩扇玻璃門的隔音空間,走進Studio A相連著的錄音室 “Live Room”。這裡算是AVON最大特色的房間,室內聲學處理出自名師Tom Hidley之手。早在興建這座商廈的時候已經預留了足夠的樓底空間,接近20呎高,面積亦接近800呎,整個樂隊一起錄音都無問題。「呢度最開心就係收Live band」,阿Ming為我們介紹說。早在89年已入行,初初在EMI工作後來再轉到AVON的他自言最愛Live band,「呢度acoustic又好,如果做hifi碟或者做jazz,同成班人一齊係一件好enojoy嘅事。」的確在香港要有這麼大的空間作錄音用途絕不容易,而且有這麼多頂級器材,經營上面一定有難度。

Live Room裡的Steinway三角琴

Live Room裡的Steinway三角琴

談起早幾年Avon的低潮時期,二人都表現無奈,「最主要係市場沒落得好犀利,早年係翻版盛行,跟住就係mp3嘅影響」Ako說,「多咗人開project studio, 為左慳錢,個個『匿埋』做,就算係mixing都係電腦做曬。嚟studio就淨係錄人聲,近年興返live band先多咗人返嚟。」,「其實咩都係市場主導,呢度地方大,器材保養嘅支出,比起project studio負擔當然重好多,但又要面對佢地嘅競爭。」阿Ming補充說。

 

Live Room的樓底很高

Live Room的樓底很高

老闆珍藏的初代Neuman U47,Ako形容為聲音十分通透

老闆珍藏的初代Neuman U47,Ako形容為聲音十分通透

Live Room裏的drum booth,有partition可自由調節空間大小

Live Room裏的drum booth,有partition可自由調節空間大小

Live Room裡舊有的聲學處理依舊保存

Live Room裡舊有的聲學處理依舊保存

 

重新學習何謂好的音樂,好的錄音

Ako展示了Live Room中間一個位置,踩上去稍稍聽到木板鬆動的聲音。原來這個點是個“靚聲點”,錄vocal就最常站在這個位置上。站在這裡望向控制室方向,彷彿置身廣東歌最輝煌的年代,看著梅姐、哥哥當年錄音時看著的景觀,突然才發現這裡其實別具歷史價值--尤其是對香港樂壇發展來說是一個不可取代的地標。看來延續AVON不止是一個「商業決定」這般簡單,有心人似乎更在意要延續香港音樂製作的一處樂土和傳統。

Live Room中間的“靚聲點”

Live Room中間的“靚聲點”

Ako看來也深知當中的因由,亦為我們娓娓道來:「最重要係老闆有心有力,好想將以前大家都公認係好聲嘅製作帶返出嚟,呢個其實好緊要!因為如果大家都慳住個荷包而唔去做,咁當然慢慢就越做越差。好彩老闆本身好鍾意呢樣嘢,佢又肯花時間,花金錢, 花心力去做返出嚟。」,「佢就係睇到一點,宜家基本上大家都需要重新去學習返咩係好嘅音樂,咩係好嘅錄音。」,「有人話香港聽眾唔識聽歌,但實情係大家都識聽,大家都問點解外國啲歌好似好聽啲?其實係個錄音過程有好大影響!今次嘅翻新裝修,器材嘅升級其實比起AVON第一次裝修更強勁,市場上面嘅嘢可能我唔識睇,我淨係知道宜家呢度一定做到好嘅音樂!」

 

推廣錄音製作文化,重塑香港好聲音

最後我們來到Studio B,一間聲音取向與Studio A截然不同的房間。器材上這裡較為集中是原子粒機的outboard,混音檯是SSL4000,監聽的選取亦見有ATC等比較modern的選擇。這裡的錄音booth空間相對Live Room當然小得多,比較接近現在流行的Project Studio。

Studio B 器材Hihglight:SSL4000混音檯,NS10監聽,ATC SCM 25A監聽

Studio B 器材Hihglight:SSL4000混音檯,NS10監聽,ATC SCM 25A監聽

本來的Neve Console上拆除下來的EQ module經“VR Rack”變成獨立outboard

本來的Neve Console上拆除下來的EQ module經“VR Rack”變成獨立outboard

資深錄音師:Derek Kwan

資深錄音師:Derek Kwan

為我們介紹這裡的有錄音師Derek Kwan。Derek在三位錄音師當中年紀較輕,但經驗亦不淺。自小已經知道自己不想走傳統的路,當年中五畢業的他已經毅然隻身走去美國MI攻讀低音結他課程,期間發現自己更愛製作和器材的東西:「接觸左好多唔同範疇,包括每晚睇嘅show,睇人地點樣『推』聲 ,學校圖書館大量嘅雜誌書藉,我好快發現自己中意『機器』多啲」,於是他旁聽了大部分錄音和製作的課堂,周圍搜購器材去嘗試錄製音樂。畢業後回港的他亦因此全身投入到錄音室的工作。

 

Studio B的outboard收藏亦不少

Studio B的outboard收藏亦不少

Studio B的錄音booth,可track人聲和acoutic結他等;比起以前加設了地毯及窗簾,減少聲音反彈;Derek說有歌手會喜歡空間感較小的地方track vocal

Studio B的錄音booth,可track人聲和acoutic結他等;比起以前加設了地毯及窗簾,減少聲音反彈;Derek說有歌手會喜歡空間感較小的地方track vocal

Neunmann U47

Neunmann U47

Private Q,全ananlog的multitrack foldback系統,好聲之選

Private Q,全ananlog的multitrack foldback系統,好聲之選

Derek的經歷似乎是新一代製作人入行的縮影:讀完書想入行,但又遇上香港音樂製作的低潮。曾在一間project studio工作近6年,由低做起,輾轉間做過freelance,後來又得到機會到廣州the village studios擔任錄音室經理,過程帶點「漂泊」。自去年11月起他就幫忙AVON的翻新工程,今年1月接手了第一個在這裡的project,開展了他的AVON生涯。此刻的他對熱愛的錄音工作有何展望?

「有一個咁大嘅Live Room,我就好想做多啲 live band 錄音」,「我係village嘅時候做好多一take過錄嘅live band,我自己就好推崇呢樣嘢,因為我覺得一隊band係應該一齊彈一齊錄」。除了錄Live band,Derek亦提到對公眾關於音樂製作,幕後技術的推廣,「一直都想聽眾留意返多啲音樂本身,例如有邊個musician彈緊啲乜,點解佢係果個位會咁處理?其實每首歌就算幾『魚蛋』,編曲,混音都有人付出過好多心思係裏面。」似乎這個理念亦與AVON將會進行的推廣活動不謀而合,就此Helen小姐亦向我們補充說:

「會逐步搞啲教育類型嘅活動,例如錄音講座,搵隊jazz band過嚟幫手示範,俾有興趣嘅人士睇返甚至參與成個錄音製作嘅過程。」,「好想慢慢帶返一個信息比大家,就算你聽緊一啲免費下載嘅音樂,但並唔代表你要聽爛聲,好嘅錄音過程,經好嘅器材處理,就算你只係用電腦聽,你都會聽到好嘢!」

 

 

採訪:Kawai & Kenji

文:Kenji

攝影:KrisY